【高宮先生】
元々、TikTokインフルエンサーのアディソン・レイがこの6月にリリースしたファースト・アルバムの先行シングルとして発表された楽曲ですね。ミキシング・エンジニアにビルボード・ヒット請負人とも言えるSerban Gheneaを起用したことでも、ご本人とレコード会社の本気ぶりが伺えます。Serban Gheneaといえば、ジ・ウィークエンド、テイラー・スウィフト、ブルーノ・マーズ、BTSなどなど、非常に多くの世界的大ヒット曲を多く手掛けるミキシング・エンジニアだけあって、本作品も4分の中に非常に多くの音響的なギミックが仕掛けられています。イントロから出てくるコーラスの定位感の処理からオルガンやパッドなどの持続音の絶妙な住み分けなど、超１級の「プロの仕事」を楽しめる作品です。リズムアレンジは90年代のグラウンド・ビートをリバイバルしているところもこの手の音楽を長く聴いて来た身としてはニヤリとさせてくれるところですね。たっぷりとしたスーパーローを過不足なく鳴らしつつも、中域に多く配置された各楽器、そしてもちろんメインのヴォーカルを、分離よく聴きたい楽曲だと感じました。

【土方先生】
イントロのシンセサイザーはセンター付近に定位し、それに続く透明感のあるボーカルの質感、さらにバックミュージックに対して前後の定位感（飛び出し）を表現したい。バックコーラスの横幅によって左右のサウンドステージが確認できるが、歪みのないよう並行に表現することが求められる。曲全体を通しては重量感のあるベースが楽曲を支配しており、低音域の伸びと明瞭度、他の楽器とのダイナミクスの描き分けも聴きどころだ。

【峯岸先生】
「Headphones On」は、Addison Raeによるダンス・ポップナンバー。洗練されたサウンドデザインとキャッチーなメロディが融合した楽曲で、Elvira AnderfjärdとLuka Kloserのプロダクションが、軽快かつ没入感のあるサウンドを作り上げている。Serban Gheneaのミックス、Randy Merrillのマスタリングにより、ポップスとしての完成度は非常に高い。オーバーオールでは、音の立ち上がりと輪郭の明瞭さが印象を左右する。帯域バランスは中域が中心で、ボーカルがしっかり前に定位する一方、ローエンドはキックとベースが引き締まっていて、全体のまとまりを支えている。高域は控えめながら滑らかで、耳に優しい印象。音像の明瞭度では、Addisonのボーカルがセンターに安定して定位し、バックの空間処理との分離がきれいに成されている。空間表現では左右に広がるシンセやエフェクト成分が印象的で、広がり感のあるサウンドステージが特徴。過渡応答性も良好で、細かいリズムやパーカッションの反応の良さが楽曲のドライブ感を高めている。モダンなポップ再生のリファレンスとして活用できる1曲。

【高宮先生】
ノルウェー出身のファゴット奏者、Dag Jensenを迎えて、2023年に東京・紀尾井ホールにて行われたライヴ音源ですね。今更ではありますが、オーケストラのサウンドは直接音ではなく、ほぼその全てがホールでの音の反射を経て私たちの耳に届きます。この作品でも紀尾井ホールのナチュラルなホール・アンビエンスをたっぷり含んだ、非常に心地よい音像が拡がります。この反響成分、即ち「ライヴ感」を、どこまで忠実に再生するか、もしくはどのように解釈して調整して再生するか、が皆様のシステムのズバリ聴きどころになると思います。まずはその音場があった上で、本作品のゲスト、Dag Jensenの表現力豊かなファゴットを堪能したいところですね、とても楽しみです。

【土方先生】
数ある音楽ジャンルの中でクラシックが課題曲に選ばれる理由のひとつは、アコースティックの質感表現が難しいからであり、本楽曲も同様に、まずはソースを歪曲なく表現する癖のない帯域バランスが求められる。また、楽曲冒頭はトッティから始まるが、そのダイナミクスや分解能によって第一印象が左右される。楽曲途中にはソリストの楽器であるファゴットが主旋律を奏でるソロパートがあり、センターの定位感と、それを取り囲む左右の楽器の分解能も聴きどころとなる。

【峯岸先生】
ウェーバーのファゴット協奏曲冒頭楽章は、古典派とロマン派の境界に位置づけられる作品でありながら、独奏ファゴットの表情豊かな旋律と、アンサンブルの緻密な対話によって、豊かな音楽的ドラマが展開される。ライブ録音ならではの緊張感と鮮やかなアーティキュレーションが、各楽器の関係性をより際立たせているのも印象的だ。特に注目したいのは、ファゴットの音像とその周囲の空間描写。センターに定位するファゴットの息遣いや微細な音色の変化をどこまで忠実に描き出せるかが、再生環境の実力を如実に物語る。さらに、アンサンブル各声部の奥行き感やステージ上での立ち位置の明確さ、ホールトーンの残響の自然さも評価の対象となる。

【高宮先生】
この楽曲はお恥ずかしながら僕がONEGRAMという東京を拠点に活動するレゲエ・バンドと共同プロデュースをして制作した楽曲です。ブレッド&バターによる70年代作品のカバーで、山下達郎さんもかつてカバーされた楽曲です。通常レゲエというジャンルの音楽の場合、太いベースが特徴的なサウンドとして語られる事が多いのですが、本作品においてはそこまでベースを重たくせずに、原曲の持つ軽快なノリを重視したサウンド・メイキングとなりました。とはいえキックのボトムエンドにはそれなりにしっかり低音も入れつつ、アタックはシャキッとさせたビートとなっています。リズム・セクションは「せーの」で録音し、バンドの持つグルーヴ感をしっかりと残しつつ、追加のギターやホーン、ボーカルを重ねていきました。聴きどころとしてはそんな彼らのグルーヴに加えて、左右に配置されたギターやドラムの金物類の定位感はもちろん、それらの粒感をしっかり再生出来ているかどうか、かと思います。

【土方先生】
イントロのキックドラムの立体感とアタック感の表現が第一印象を左右し、曲全体を通してリズム感を作り出しているため、特に重要な点だ。ギターの質感が硬質にならないよう、高音域の質感表現にも注意したい。ボーカルの質感は明瞭で、口元の動きもわかりやすい。左右に広がるバックコーラスはその広がりが特徴的だが、楽曲中盤から聞こえるサックスの音色がドライにならないように注意が必要だ。最終的には明るくポップなメロディを音楽性豊かに再生したい。

【峯岸先生】
リズム＆グルーヴを軸に、ソウルやレゲエの要素を融合させた本楽曲は、再生システムの「ノリ」の出し方や、中低域の量感・分解能を確認するうえで非常に有用です。ベースラインのうねりとキックの一体感が重要で、ここがぼやけると楽曲全体のリズム感も希薄になります。ボーカルはセンター定位でやや広めの定位感を持ち、バックトラックと滑らかに溶け合うように配置されています。背景にレイヤーされたホーンや鍵盤系の装飾音は空間表現の奥行きを構成しており、左右の広がりに加えて前後の立体感も問われるポイントです。音色は高音が耳障りにならないように再生できると良いでしょう。アナログライクな質感の中にもしっかりとエッジの立ったアタック感があり、過渡応答性のチェックにも最適。特にパーカッションやギターのカッティングは、反応の遅いシステムでは曖昧になりがちで、明瞭な立ち上がりが得られているかが試されます。ジャンル特有の「揺らぎ」や粘りをどう再現するか、システム側の再生バランスとセンスが問われる一曲です。